Era inizialmente questo l’obiettivo del progetto affidato dal duca di Firenze a Giorgio Vasari, divenuto nel tempo uno scrigno d’arte, tra i pi\u00f9 preziosi al mondo. Apprezzare “la culla del Rinascimento” significa soprattutto concedersi qualche ora per ammirare, in questo prezioso gioiello dell’umanit\u00e0, i capolavori che hanno scolpito nel mondo il genio artistico di Firenze. Ecco, secondo noi, le 8 pi\u00f9 belle opere degli Uffizi!<\/p>\n
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Dalle Metamorfosi<\/em> di Ovidio alle Stanze<\/em> di Agnolo Poliziano, contemporaneo di Botticelli, questo capolavoro \u00e8 ricco di rimandi artistici e letterari.<\/p>\n Fortemente ispirata alla filosofia neoplatonica, l’opera descrive la nascita dell’Amore e della bellezza spirituale come forza motrice della vita. Una Venus pudica,<\/em> che nasconde timidamente le parti intime, \u00e8 ritratta fluttuante su una conchiglia che sfiora la superficie del mare, con, a sinistra, Zefiro abbracciato a un personaggio femminile tra una cascata di rose. Sulla destra, la casta ancella di Venere porge alla dea un manto per proteggersi.<\/p>\n L’opera, il primo esempio in Toscana di pittura su grande tela, \u00e8 un’ode alla famiglia dei Medici<\/strong>, che grazie alla diplomazia e alla cultura avrebbe introdotto a Firenze il regno di Amore.<\/p>\n ### 2. La Primavera<\/em> di Botticelli<\/p>\n I dettagli naturalistici, l’uso sapiente del colore, l’eleganza delle figure conferiscono alla Primavera<\/em> un’intensa raffinatezza<\/strong>.<\/em> Dipinta tra il 1477 e il 1482 per Lorenzo di Pierfrancesco dei Medici, quest’opera, ricca di significati allegorici<\/strong>, sarebbe un’interpretazione del regno di Venere cantato dagli antichi poeti. Zefiro insegue la ninfa Clori e la feconda con un soffio. La ninfa rinasce trasformata in Flora e, successivamente, nella Primavera che sparge fiori sul mondo. Al centro, Venere, stretta in un drappo rosso, incarna il simbolo neoplatonico dell’amore pi\u00f9 elevato. Sopra di lei, il figlio Cupido, a sinistra, le tre Grazie impegnate in un’armoniosa danza, e ancora Mercurio, raffigurato con i tipici calzari alati, mentre dissipa le nubi.<\/p>\n Varie interpretazioni ruotano intorno ai nove personaggi che occupano la tela con armonia ed eleganza. Un primo livello di lettura sarebbe strettamente mitologico, mentre quello di tipo filosofico \u00e8 legato all’accademia neoplatonica. Un’interpretazione storico-dinastica allude invece alle vicende contemporanee, alla gratificazione del committente e della sua famiglia.<\/p>\n ### 3. La Battaglia di San Romano<\/em> di Paolo Uccello<\/p>\n La sala 7 del primo Rinascimento ospita questo dipinto di Paolo Uccello realizzato verso il 1438. Si tratta della parte centrale di un trittico oggi smembrato e diviso tra Uffizi, National Gallery e Louvre<\/strong>. Nel 1784 le tre tavole arrivarono agli Uffizi, ma presto, dal momento che i tre pannelli erano considerati troppo simili, si decise di tenere a Firenze quello meglio conservato vendendo gli altri come inutili doppioni. Il ciclo racconta la battaglia di San Romano, che nel 1432 vide contrapposti fiorentini e senesi e che assistette alla gloriosa vittoria di Firenze. La tavola conservata a Firenze racconta il disarcionamento del condottiero senese Bernardino della Carda, ritratto al centro della scena insieme al suo cavallo bianco nel momento in cui viene colpito da una lancia nemica.<\/p>\n Pur essendo stata realizzata per la ricca famiglia Bartolini, l’opera entr\u00f2 presto tra i beni di Lorenzo il Magnifico. L’utilizzo sperimentale e ardito della prospettiva<\/strong>, che rese il pittore di Pratovecchio famoso tra i suoi contemporanei, \u00e8 la grande novit\u00e0 dell’opera. Pur accogliendo pienamente la rivoluzione rinascimentale della prospettiva e della centralit\u00e0 dell’uomo, Paolo Uccello non tralascia alcuni particolari tipici dell’eredit\u00e0 tardogotica, evidenti nei dettagli naturalistici, nelle scene di caccia e nella minuziosa descrizione delle armature e dei cavalli.<\/p>\n ### 4. Madonna col Bambino e due angeli<\/em> di Filippo Lippi<\/p>\n Quest’opera databile intorno al 1465, conservata nella sala 8 della Galleria degli Uffizi, \u00e8 una delle pi\u00f9 conosciute dell’artista Filippo Lippi, il monaco carmelitano che si innamor\u00f2 perdutamente della monaca Lucrezia Buti. Molto probabilmente la Madonna raffigurata di profilo, pensosa, con le mani giunte in posizione di preghiera, di fronte al bambino sorretto da due angeli, potrebbe essere proprio Lucrezia. I<\/p>\n l paesaggio, dietro le spalle dei personaggi, \u00e8 ispirato alla pittura fiamminga<\/strong>. La dolcezza, l’eleganza degli atteggiamenti, l’acconciatura della Madonna, estremamente raffinata, impreziosita da perle e veli, sar\u00e0 un modello per i pittori successivi, soprattutto per Botticelli, allievo di Lippi.<\/p>\n ### 5. I duchi di Urbino<\/em> di Piero della Francesca<\/p>\n La pelle cerulea della duchessa Battista Sforza<\/strong>, con la sua fronte altissima, l’acconciatura elaborata, intessuta di panni e gioielli, incrocia lo sguardo possente del marito, Federico da Montefeltro<\/strong>, abile stratega, valoroso condottiero e grande mecenate. I due ritratti realizzati da Piero della Francesca tra il 1465 e il 1472, oggi separati in due distinte cornici nella sala 7, costituiscono una delle opere pi\u00f9 famose del Rinascimento italiano<\/strong>. I busti dei due duchi, in primo piano e di profilo, dominano, solenni, il paesaggio sullo sfondo, di chiara derivazione fiamminga.<\/p>\n Piero della Francesca riproduce il perfetto uomo rinascimentale, consapevole della centralit\u00e0 del proprio ruolo nell’universo. La scelta della rappresentazione di profilo del duca era dovuta al fatto che Federico da Montefeltro fosse rimasto sfigurato all’occhio destro nel corso di una giostra. Il naso adunco e rotto era un’altra cicatrice riportata nel corso dello sfortunato torneo. Il retro del dittico mostra i due coniugi su due carri antichi. Il Duca \u00e8 ritratto sul carro trionfale mentre viene incoronato da una Vittoria alata. Il trionfo della moglie esalta invece le virt\u00f9 coniugali: Battista Sforza siede infatti su un carro trainato da liocorni, simboli di castit\u00e0.<\/p>\n ### 6. L’Annunciazione<\/em> di Leonardo da Vinci<\/p>\n Osservando molto da vicino questa tela, realizzata tra il 1472 e il 1475, si possono cogliere le impronte digitali di un Leonardo ventenne<\/strong> che sfumava talvolta il colore con i polpastrelli. Il capolavoro, attribuito a un Leonardo giovane, si discosta dalla tradizionale iconografia dell’Annunciazione. La scena si svolge, infatti, all’esterno della casa della Vergine, piuttosto che in un luogo chiuso, quasi a voler sottolineare il coinvolgimento dell’intero creato nel miracolo della divina incarnazione<\/strong>. I fiori del prato sono descritti nel dettaglio. Sullo sfondo, le montagne si perdono in una luce chiarissima che preannuncia le tecnica dello sfumato. L’angelo, raffigurato in posizione classica, \u00e8 ritratto come appena planato con le ali battenti. Le ali originali erano pi\u00f9 corte, ma qualcuno dipinse sopra un’aggiunta, non comprendendo piuttosto che Leonardo voleva rappresentare la figura in procinto di chiudere le ali.<\/p>\n ### 7. La Madonna del Cardellino<\/em><\/p>\n Nessuno direbbe che questo capolavoro, realizzato intorno al 1506 da un giovane Raffaello<\/strong> per le nozze di Lorenzo Nasi, sia stato quasi distrutto, appena 40 anni dopo la sua composizione, in seguito al crollo del palazzo in cui era conservato. L’incidente port\u00f2 l’opera a spaccarsi in circa 17 pezzi<\/strong> che furono poi rimontati in un unico restauro con l’aggiunta di due nuovi inserti. Alcuni restauri si succedettero nel corso dei secoli, ma fu quello del 2008 ad avere restituito all’opera il suo originale splendore.<\/p>\n Racchiusi in una sorta di piramide ideale si scorgono la Madonna, seduta sulla roccia, che regge tra le gambe Ges\u00f9 Bambino, e, sulla sinistra, San Giovannino. I due fanciulli giocano con un cardellino che allude alla Passione di Cristo<\/strong>. Un sentimento di serena dolcezza, calma e spontanea familiarit\u00e0 domina la scena. Nei movimenti eleganti e nelle proporzioni delicate, nei volti e negli sguardi gentili \u00e8 racchiuso l’equilibrio formale che testimonia la raggiunta maturit\u00e0 dell’artista. Potrete ammirare questo capolavoro nella sala rosa 66 dedicata a Raffaello.<\/p>\n ### 8. La Venere di Urbino<\/em> di Tiziano<\/p>\n Intrigante, misteriosa, sensuale. La Venere di Urbino<\/em> completata da Tiziano ne 1538 per il Duca di Urbino Guidobaldo II Della Rovere, \u00e8 la perfetta rappresentazione della donna rinascimentale<\/strong> che come Venere, diventa simbolo di amore, fertilit\u00e0, bellezza. Eppure nel 1880 Mark Twain defin\u00ec questo capolavoro “il quadro pi\u00f9 indecente, il pi\u00f9 vile, il pi\u00f9 osceno che il mondo possiede”. L’opera – custodita nella sala 83 di Tiziano – rappresenta un’allegoria del matrimonio e doveva servire come modello “didattico” per Giulia da Varano, giovane moglie del duca. Il cagnolino ai piedi della donna \u00e8 il simbolo della fedelt\u00e0 coniugale, mentre la domestica che, sullo sfondo, guarda una bambina che rovista in un cassettone, \u00e8 un augurio di maternit\u00e0. L’evidente carica erotica del dipinto serviva a ricordare alla donna i doveri matrimoniali nei confronti dello sposo.<\/p>\n![\"Botticelli,](\"https:\/\/a.travel-assets.com\/findyours-php\/viewfinder\/images\/res40\/36000\/36013.jpg\")
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![\"Paolo](\"https:\/\/a.travel-assets.com\/findyours-php\/viewfinder\/images\/res40\/36000\/36015.jpg\")
Paolo Uccello , via Wikimedia Commons<\/em><\/figcaption><\/figure>\n![\"La](\"https:\/\/a.travel-assets.com\/findyours-php\/viewfinder\/images\/res40\/36000\/36016.jpg\")
![\"Tiziano,](\"https:\/\/a.travel-assets.com\/findyours-php\/viewfinder\/images\/res40\/36000\/36017.jpg\")