![\"1699px-Vincent_van_Gogh_-_Sunflowers_%281888__National_Gallery_London%29.jpg?1575036467\"](\"https:\/\/a.travel-assets.com\/findyours-php\/viewfinder\/images\/res40\/201000\/201286.jpg\")
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### 2. Ritratto dei coniugi Arnolfini<\/p>\n
Realizzato nel 1434 da Jan van Eyck<\/strong>, questo dipinto ad olio \u00e8 considerato il capolavoro dell’artista, oltre che una delle opere pi\u00f9 significative della pittura fiamminga. Si tratta di un doppio ritratto a figura intera che rappresenta il commerciante italiano Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua moglie, nella loro casa a Bruges. Nella scena, la mano dell’uomo \u00e8 alzata, apparentemente in segno di saluto. Sulla parete in fondo, un grande specchio convesso riflette due uomini – la cui identit\u00e0 rimane tutt’ora ignota – che entrano nella stanza. L’aura enigmatica, l’elegante bellezza, l’iconografia complessa, la prospettiva ortogonale geometrica e l’espansione dello spazio pittorico con l’uso di uno specchio, hanno reso quest’opera una delle pi\u00f9 celebri della storia dell’arte.<\/p>\n ### 3. Bagnanti ad Asni\u00e8res <\/p>\n Georges Seurat<\/strong> viene considerato il pi\u00f9 importante esponente del puntinismo, movimento artistico che impiegava il colore rigorosamente puro, in forma di piccoli punti; poich\u00e9 ciascun colore \u00e8 influenzato da quello adiacente, i puntinisti non mescolano i colori sulla tavolozza, ma li accostano sulla tela, dando il compito della fusione cromatica all’occhio dell’osservatore. Su questa tela, sono ritratti alcuni uomini e ragazzi che si rilassano sulle rive della Senna ad Asni\u00e8res-sur-Seine, un sobborgo industriale a nord-ovest del centro di Parigi. I personaggi sono immobili come statue, congelati in una scena senza tempo. Seraut dipinge quest’opera ad appena 25 anni, preannunciando quelle che saranno tutte le caratteristiche salienti del puntinismo.<\/p>\n ### 4. Cena in Emmaus <\/p>\n La Cena in Emmaus<\/em> \u00e8 probabilmente tra le opere pi\u00f9 rappresentative della pittura di Caravaggio<\/strong>, considerata rivoluzionaria da molteplici punti di vista. Il soggetto, ripreso dal Vangelo di Luca, illustra due discepoli a cena con un viandante che si riveler\u00e0 essere Cristo risorto. Caravaggio sceglie di ritrarre l’istante in cui Ges\u00f9 spezza il pane e viene riconosciuto dai viandanti. L’atmosfera non \u00e8 quella rigida e solenne della classica pittura sacra, ma \u00e8 intima e rustica: l’oste ha in testa la sua cuffietta sgualcita e gli apostoli indossano abiti contadini 600eschi, che fanno precipitare la scena nel mondo contemporaneo. Il vero ruolo di protagonista \u00e8 qui affidato alla luce, che crea mirabili giochi di ombre sulla tavola e sullo sfondo.<\/p>\n ### 5. La valorosa T\u00e9m\u00e9raire <\/p>\n William Turner<\/strong> fu tra i pi\u00f9 influenti pittori del movimento romantico, nonch\u00e9 il pi\u00f9 prossimo anticipatore dell’Impressionismo. A renderlo celebre, furono soprattutto i suoi dipinti di paesaggi marini, dove spesso non mancano tempeste e naufragi. In La valorosa T\u00e9m\u00e9raire<\/em>, il mare perde la sua natura pi\u00f9 violenta, lasciando spazio ad una struggente armonia. \u00c8 il soggetto a richiedere questa languida atmosfera: Turner raffigura infatti la “morte” della T\u00e9m\u00e9raire, eroica nave da guerra della Royal Navy che, dopo aver prestato un onorato servizio nella battaglia di Trafalgar, viene demolita, per essere soppiantata dalle neonate navi a vapore. Tramite un uso originale e sapiente di luce e colore, l’artista omaggia il tramonto di un passato glorioso.<\/p>\n ### 6. Stagno delle ninfee<\/p>\n Nel 1883, Monet<\/strong> si trasferisce con la famiglia a Giverny, piccolo comune francese della Normandia. \u00c8 qui che dimorer\u00e0 fino alla morte ed \u00e8 qui che avr\u00e0 base il suo piccolo regno impressionista, fatto di pace e natura. Nel 1891, deviando un affluente del fiume Epte, Monet crea un laghetto corredato da un ponticello giapponese: non esistono luoghi, nella storia dell’arte, ad essere stati studiati in modo tanto minuzioso quanto il laghetto di Giverny, riprodotto da molteplici angolazioni diverse, in tantissime varianti, oggi disseminate nei musei di mezzo mondo. Ne troverete una, bellissima, anche alla National Gallery.<\/p>\n ### 7. Le grandi bagnanti <\/p>\n Paul C\u00e9zanne<\/strong> \u00e8 stato tra i pittori francesi pi\u00f9 prolifici della storia dell’arte. Tra le sue opere, pi\u00f9 di 200 raffigurano paesaggi con bagnanti nudi maschili e femminili, singolarmente o in gruppo. Quella della National Gallery, \u00e8 una delle tre tele di bagnanti femminili a cui C\u00e9zanne lavor\u00f2 durante l’ultimo decennio della sua vita. Come dimostra anche il sapiente uso del colore, che integra completamente le donne con il paesaggio, con quest’opera l’artista arriva a celebrare la natura e, in particolare, la sua unione con il genere umano.<\/p>\n ### 8. Cortile dello scalpellino <\/p>\n Questa visione intima di Venezia, \u00e8 uno dei capolavori del Canaletto<\/strong>. Al sole del primo mattino, gli operai scalpellano i pezzi di pietra in Campo San Vidal, mentre la vita quotidiana continua intorno a loro: non sfugge all’attenzione, ad esempio, la madre che si precipita a confortare il bambino che piange, sorvegliato da una donna sul balcone sopra di loro. In quest’opera, dall’aspetto teatrale e scenografico, Canaletto descrive con somma perizia i vari materiali e le loro trame – l’intonaco rovinato, i mattoni a vista e il legno grezzo – e definisce dettagliatamente gli edifici, i personaggi e le aree di luce e ombra in una curatissima gamma di colori.<\/p>\n ### 9. Dittico Wilton <\/p>\n Tra i dipinti famosi della National Gallery, c’\u00e8 anche questa piccola pala d’altare di autore ignoto, che costituisce un raro esempio di pittura religiosa medievale su tavola inglese, ascrivibile allo stile gotico internazionale. Fu realizzato per Riccardo II – re d’Inghilterra dal 1377 al 1399 – e rappresenta una concezione di regalit\u00e0 altissima e divinamente giustificata, combinando immagini religiose e temporali. Nella parte di sinistra, il re viene presentato alla Vergine da Edmund ed Edward il Confessore – i santi patroni d’Inghilterra – e Giovanni Battista. Nella parte di destra, in un trionfo di blu lapislazzuli, vengono invece raffigurati 11 angeli e la Madonna con Ges\u00f9 bambino, che tende le mani per porgere a Riccardo la bandiera inglese.<\/p>\n ### 10. Whistlejacket <\/p>\n Si tratta probabilmente del pi\u00f9 noto ritratto di un cavallo nella storia dell’arte, nonch\u00e9 di uno dei pi\u00f9 importanti dipinti britannici del XVIII secolo. A realizzarlo, \u00e8 stato il pittore inglese George Stubb<\/strong>, di cui questa tela \u00e8 considerata il capolavoro. Vinta una celebre gara a York nel 1759, il secondo Marchese di Rockingham decise di celebrare il suo splendido stallone arabo con un ritratto commemorativo a grandezza naturale. Stubb si fece onere di quest’impresa, dipingendo l’imponente cavallo impennato su uno sfondo neutro. Particolare \u00e8 la scelta di non includere nell’opera l’immagine di un cavaliere, preferendo ritrarre Whistlejacket completamente libero dal dominio umano, come incarnazione di un’incontrollata energia naturale.<\/p>\n ### 11. Gli Ambasciatori<\/p>\n Dipinto da Hans Holbein il Giovane<\/strong> nell’era Tudor, questo quadro \u00e8 famoso soprattutto per il suo esempio di anamorfismo, in cui un teschio, proiettato in modo distorto nella parte inferiore della tela, risulta riconoscibile solo se osservato da una precisa angolazione laterale. Questo simbolo di morte, indelebile rimando alla caducit\u00e0 delle cose terrene, viene tuttavia controbilanciato da un altro oggetto nascosto: si tratta del piccolo crocifisso appeso in alto a sinistra, simbolo della resurrezione di Cristo, con cui il pittore avanza una speranza di redenzione. Il mirabile realismo dei ritratti del diplomatico Jean de Dinteville e del vescovo Georges de Selve, insieme alla quantit\u00e0 di oggetti allegorici ritratti dettagliatamente nella scena, hanno contribuito a rendere l’opera di Holbein una delle pi\u00f9 celebri della National Gallery.<\/p>\n ### 12. Vergine delle Rocce <\/p>\n Tra le opere della National Gallery, dipinti che non hanno bisogno di presentazioni non mancano. La Vergine delle rocce \u00e8 uno di questi. Leonardo da Vinci<\/strong> qui raffigura, in una grotta sovrastata da rocce, la Vergine Maria insieme al piccolo San Giovanni e ad un angelo, inginocchiati per adorare Ges\u00f9 bambino, con la mano alzata in atto di benedizione. Questa tavola faceva parte di una pala d’altare prodotta per la chiesa di San Francesco Grande di Milano e and\u00f2 a sostituire un’opera estremamente simile realizzata precedentemente dall’artista e ora conservata al Louvre di Parigi. Impossibile non rimanere colpiti dalle figure, che grazie ad un’avanzatissima tecnica pittorica, riescono ad emergere inspiegabilmente dall’oscurit\u00e0 dell’ambiente.<\/p>\n ### 13. Autoritratto <\/p>\n Gli autoritratti, dipinti in decine di varianti, sono tra le opere pi\u00f9 celebri di Rembrandt<\/strong>, ritenuto il pi\u00f9 influente pittore olandese di tutti i tempi. In questo caso, l’artista si ritrae in sontuosi abiti cinquecenteschi e sguardo fiero, ricordando, pi\u00f9 che un personaggio contemporaneo, un gentiluomo del Rinascimento. In questo modo, non soltanto Rembrandt rivendica uno status sociale elevato (molto pi\u00f9 di quanto non fosse solitamente concesso agli artisti del tempo), ma sceglie anche di omaggiare, osando un confronto diretto, i grandi ritrattisti rinascimentali che l’hanno preceduto.<\/p>\n ### 14. Coniugi Andrews <\/p>\n Thomas Gainsborough<\/strong> \u00e8 considerato uno degli artisti pi\u00f9 caratteristici della pittura inglese del ‘700 e questo dipinto \u00e8 stato spesso dichiarato il suo capolavoro. Vi sono ritratti i coniugi Andrews, appena sposati, in posa accanto ai loro immensi e fertili possedimenti. Lo scenario naturalistico in cui i personaggi sono inseriti non \u00e8 affatto secondario, anzi: il cielo, con le sue nuvole plumbee, i campi e i boschi della campagna dell’Essex, realizzati con estrema cura, portano il paesaggio ad un ruolo di primissimo piano.<\/p>\n ### 15. La sedia<\/p>\n Nella collezione della National Gallery, le opere firmate da Van Gogh<\/strong> sono molteplici. Oltre ai Girasoli<\/em>, \u00e8 impossibile non citare La sedia<\/em>, una delle immagini pi\u00f9 iconiche della pittura post-impressionista. Dipinta alla fine del 1888, subito dopo che il collega Paul Gauguin lo aveva raggiunto ad Arles, Van Gogh ritrae la sua sedia – con pipa e tabacco annessi – su un nudo pavimento di piastrelle in terracotta. La tela era in coppia con un altro dipinto, La sedia di Gauguin<\/em> – oggi conservata al Museo Van Gogh di Amsterdam – che insieme hanno la funzione di ritratti surrogati, rappresentanti le personalit\u00e0 e le distinte prospettive artistiche dei due artisti. Mentre la sedia di Van Gogh, dipinta in pieno giorno, \u00e8 semplice e funzionale, quella di Gauguin \u00e8 elegante e finemente intagliata, immersa nella notte.<\/p>\n ### 16. Battaglia di San Romano<\/p>\n Paolo Uccello<\/strong> realizz\u00f2, nel 1438, un trittico dedicato alla celebrazione della Battaglia di San Romano, storico scontro in cui i fiorentini sconfissero i senesi alle porte di Pisa. La parte conservata oggi alla National Gallery \u00e8 la tavola intitolata a Niccol\u00f2 da Tolentino che, protagonista assoluto della scena, in sella al suo cavallo bianco sprona le truppe fiorentine all’attacco. Quest’opera, affollatissima di personaggi e inscurita dal tempo, \u00e8 un interessante esempio di studio prospettico: Uccello si diletta infatti nella sperimentazione della prospettiva lineare, sfruttando le lance rotte in primo piano come griglia e mostrando i frammenti di armature sotto varie angolazioni.<\/p>\n ### 17. Il carro da fieno <\/p>\n Si tratta probabilmente dell’opera pi\u00f9 nota di John Constable<\/strong>, che in questo caso ritrae il cottage dell’agricoltore Willy Lot e il Flatford Mill, mulino sul fiume Stour gestito dalla famiglia Constable per quasi un secolo. Come si evince dal titolo, il soggetto principale \u00e8 il carro da fieno, raffigurato mentre si fa strada attraverso le acque poco profonde del fiume. Ma \u00e8 il paesaggio in s\u00e9 il protagonista indiscusso della scena: sono proprio le opere di Constable che, nell’immaginario collettivo, hanno trasformato la campagna inglese in un luogo meraviglioso e bucolico. Mentre attraversate i corridoi della National Gallery, quadri come questo vi rapiranno in un’attenta sosta contemplativa.<\/p>\n ### 18. Venere Rokeby <\/p>\n La Venere di Velazquez<\/strong> \u00e8 diversa da tutte le altre: nessun gioiello e capelli bruni, per una dea che di per s\u00e9 parrebbe pi\u00f9 che terrena; \u00e8 il piccolo Cupido alato a riportarci in una dimensione divina, permettendoci di scorgere, tra l’altro, il riflesso sfocato del volto di Venere sulla superficie dello specchio tenuto in bilico sul letto. La mancata definizione dei tratti della dea conferisce all’opera una certa enigmaticit\u00e0: probabilmente si tratta di un’intenzione voluta dall’artista, che invece di rappresentare la dea della bellezza con una persona identificabile, induce l’osservatore a completarne i lineamenti con la propria immaginazione.<\/p>\n ### 19. Madonna dei Garofani <\/p>\n In questa piccola tavola, Raffaello<\/strong> riesce a far trasparire tutta la sua maestria nel ritrarre la sensibilit\u00e0 umana. All’interno della camera di un palazzo rinascimentale italiano, una giovane Vergine tiene in grembo Ges\u00f9 Bambino. Rigidezza e formalit\u00e0 delle figure sono un lontano ricordo: qui, madre e figlio mostrano le loro emozioni, fatte di intesa e tenerezza, mentre giocano a scambiarsi garofani, simbolo dell’amore divino e della Passione di Cristo. L’opera, per molto tempo ritenuta una copia della Madonna Benois di Leonardo da Vinci, \u00e8 stata riscoperta come dipinto originale di Raffaello solo nel 1991.<\/p>\n ### 20. Cartone di Sant’Anna <\/p>\n Anche se non si tratta di un dipinto ed \u00e8 da ritenersi incompiuta, quest’opera merita assolutamente un posto nella top 20 National Gallery opere. Si tratta di un cartone – ovvero di un disegno preliminare in preparazione ad un dipinto – realizzato da Leonardo da Vinci<\/strong>. L’artista ritrae una tenera scena famigliare: la Vergine Maria \u00e8 seduta sulle ginocchia della madre, Sant’Anna, mentre cerca di trattenere il piccolo Ges\u00f9 Bambino; il cugino di Cristo, San Giovanni Battista, si appoggia nel frattempo al grembo di Anna, mentre Ges\u00f9 lo benedice. Il Cartone di Sant’Anna \u00e8 l’unico disegno in grande scala realizzato da Leonardo, arrivato intatto sino a noi: curare nei minimi particolari la conservazione di questo fragile tesoro \u00e8 fondamentale, quindi non stupitevi se la sala in cui \u00e8 custodito \u00e8 buia e appartata.<\/p>\n LEGGI ANCHE: 6 musei di Londra da visitare almeno una volta nella vita!<\/strong><\/a><\/p>\n #### Photo Credits<\/p>\n Foto di copertina: La National Gallery – By Diego Delso, CC BY-SA 4.0, https:\/\/commons.wikimedia.org\/w\/index.php?curid=35481652<\/a><\/em><\/p>\n![\"1520px-1602-3_Caravaggio_Supper_at_Emmaus_National_Gallery__London.jpg?1573684450\"](\"https:\/\/a.travel-assets.com\/findyours-php\/viewfinder\/images\/res40\/201000\/201288.jpg\")
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