Opere Caravaggio: i 15 dipinti più belli
Da San Pietroburgo a Malta, passando per Roma e Parigi, un itinerario tra le opere di Caravaggio: i 15 dipinti più belli del padre della pittura moderna
In una parola: rivoluzionario. Ecco ciò che è stato Michelangelo Merisi per il mondo dell’arte. Nato a Milano nel 1571, si formò soprattutto a Roma, da cui fu costretto a fuggire nel 1606 per essersi macchiato di omicidio. Un personaggio geniale e irrequieto dalla vita sregolata e sventurata.
Le sue opere sono la prima rappresentazione della verità nella storia dell’arte. La “pittura dal vero” del Caravaggio ritrae la vita autentica, la realtà naturale esattamente per quello che è, catturandola in un’istantanea essenziale. La luce diventa uno strumento potentissimo, in grado di riportare sulla tela scene di un’intensità e di un’umanità commoventi.
È l’inizio del Barocco, di cui le opere di Caravaggio sono dirette progenitrici: eccone 15, tra le più famose, che potrai scoprire in giro per l’Europa.
01
Suonatore di liuto
Il celeberrimo museo dell’Ermitage di San Pietroburgo ospita il Suonatore di liuto, dipinto da un giovane Caravaggio, e forse una delle sue opere più conosciute. Molto probabilmente proviene dalla collezione di Vincenzo Giustiniani, intellettuale, mecenate ed eccezionale collezionista italiano, che fu tra gli scopritori del Caravaggio. Sul tavolo fiori in un vaso, frutta, un violino e degli spartiti. Al centro della scena il giovane musicista, che intercetta in modo diretto lo sguardo dell’osservatore. Le sue labbra sono dischiuse, libere al canto: musica e pittura si uniscono in un’opera multisensoriale.
02
Amore vittorioso
Questa opera straordinaria è custodita presso la Gemäldegalerie di Berlino. Cupido, che secondo alcuni ritrae il garzone (e forse amante) del Caravaggio, è alato, ridente e trionfante. Amore vince sul mondo terreno, rappresentato dalla natura morta; sulla regalità, simboleggiata dallo scettro e dalla corona; sulla guerra, raffigurata con le armi e la corazza; sulle lettere e sulla musica, incarnate dal libro, dalla penna, dagli strumenti e dagli spartiti, e, infine, sul globo celeste. L’Amore trionfa sull’universo: Amor Vincit Omnia è, infatti, il titolo con il quale è anche conosciuto questo dipinto.
03
Cena in Emmaus
La Cena in Emmaus conservata alla National Gallery di Londra è l’opera che meglio rappresenta le molteplici rivoluzioni introdotte dalla pittura del Caravaggio. Questo l’episodio tratto dal Vangelo di Luca: due discepoli invitano a cena un viandante che, in seguito, si rivela essere Cristo risorto. Caravaggio sceglie di “fotografare” l’esatto istante in cui Gesù spezza il pane e viene riconosciuto dai viandanti. L’atmosfera è intima e rustica: l’oste ha in testa la sua umile cuffietta sgualcita, gli apostoli indossano abiti contadini tipici del Seicento, che portano immediatamente la scena nel mondo contemporaneo, fuori dai canoni della classica pittura sacra. La scena è come scolpita dalla luce, che crea mirabili giochi di ombre sulla tavola e sullo sfondo.
04
Morte della Vergine
Anche al Louvre di Parigi non poteva mancare un Caravaggio d’eccellenza: si tratta della Morte della Vergine, una tela che risale alla fase matura del pittore. Il corpo della Madonna giace inerme, senza vita e senza nulla di soprannaturale. Anche qui Caravaggio riproduce la realtà: il drappo rosso è quello del suo studio e con ogni probabilità anche in questo caso siamo di fronte a un ritratto, quello di Anna Bianchini, una prostituta a lungo amata dall’artista. La speranza e la trascendenza lasciano spazio alla più vera e impietosa dimensione umana e terrena.
05
Canestra di frutta
A Milano si trova la celeberrima Canestra di frutta, la natura morta forse più rivoluzionaria della storia dell’arte. Questo piccolo quadro è custodito nella Biblioteca della Pinacoteca Ambrosiana, dove fu esposto al pubblico nel 1598. Il soggetto non è un rigoglioso cesto di frutta; al contrario, pochi frutti, ingialliti e bacati occupano il centro del quadro, il cui sfondo è neutro e uniforme. La semplice realtà, in tutta la sua dignità: è l’oggetto comune, caduco e quotidiano che si merita il centro della tela, tanto quanto Gesù, gli apostoli e la Madonna.
06
Bacco
Questo quadro fu ritrovato nel ‘900 nei depositi degli Uffizi di Firenze, ed è qui che oggi è esposto. Come il Suonatore di liuto, anche questo Bacco intercetta direttamente lo sguardo dell’osservatore, a cui pare offrire la coppa di vino. Si tratta presumibilmente del ritratto di uno dei modelli dell’artista; con addosso un semplice lenzuolo, presta il volto a un personaggio rustico. La realtà invade il quadro a tal punto che è possibile scorgere il piccolo autoritratto, sfocato e come in trasparenza, dello stesso Caravaggio nel riflesso della caraffa sul tavolo.
07
Scudo con testa di Medusa
E sempre agli Uffizi si trova un’altra, imperdibile, opera del Merisi, lo Scudo con testa di Medusa. Il supporto è curioso, ma non casuale. Il dipinto a olio è montato su uno scudo convesso in legno che fa rivivere il mito greco: Medusa, mostruosa, con serpi al posto dei capelli, è in grado di pietrificare con lo sguardo chiunque la guardi negli occhi. Perseo, per ucciderla, non potendo guardarla direttamente, utilizza lo scudo bronzeo di Atena come specchio, che gli permette di osservare la Gorgone senza subire la magia letale del suo sguardo. Con questo stratagemma, Perseo riesce a uccidere Medusa, tagliandole la testa. È così che lo scudo degli Uffizi si trasforma nello scudo sacro di Atena. Caravaggio immagina il momento di massima tensione della scena più violenta del mito, dando spazio a quella che poi si trasformerà in una vera e propria ossessione su un tema ben preciso: il momento in cui la vita lascia il corpo terreno.
08
Fanciullo con canestro di frutta
Arriviamo finalmente a Roma, la città che consacrò e ispirò, come nessun’altra, il Caravaggio. Alla prima fase del pittore risale il Fanciullo con canestro di frutta, conservato nella Galleria Borghese. Il ritratto di uno dei suoi modelli si fonde con una natura morta rigogliosa, per una scena che mostra un certo richiamo erotico. Il tema del ritratto di un ragazzo si ripresenta come già in altri dipinti, ad esempio il Ragazzo che monda un frutto o il Bacchino malato.
09
Davide con la testa di Golia
Sempre nella Galleria Borghese è custodito il Davide con la testa di Golia, l’ultimo quadro di Caravaggio, considerato il suo testamento pittorico. Il Davide, senza gioia né soddisfazione, regge la testa mozzata di Golia, il gigante sconfitto, che altro non è se non l’autoritratto dello stesso Caravaggio. Un dettaglio inquietante che trova spiegazioni nelle vicende personali dell’artista: in fuga da anni per i suoi misfatti, mentre sperava di ricevere la grazia, Michelangelo Merisi rischiava proprio di incorrere nella pena capitale.
10
Cappella Cerasi
Presso la Cappella Cerasi della Basilica di Santa Maria del Popolo a Roma, ai lati delle pale d’altare di Annibale Carracci, si possono ammirare due splendide opere del Caravaggio: la Crocifissione di San Pietro e la Conversione di San Paolo. In entrambe le tele di propriamente sacro c’è davvero poco. Gli aguzzini di San Pietro, vestiti in abiti secenteschi, vengono ritratti in un momento poco significativo, mentre stanno per issare la grande croce; San Paolo, invece, ai piedi di un cavallo che sembra volergli rubare la scena, risulta testimone dell’apparizione di Gesù, ma in una maniera tutta particolare: i suoi occhi sono chiusi e, se quello in atto è un dialogo con Cristo, lo è all’interno di una visione totalmente interiore. Due scene estremamente vere, di enorme intensità emotiva.
11
Cappella Contarelli
All’interno della Cappella Contarelli, nella Chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma, si trovano ben tre dipinti del Caravaggio, che formano il ciclo pittorico su san Matteo: San Matteo e l’angelo al centro, il Martirio di San Matteo sul lato destro e, sul lato sinistro, la Vocazione di San Matteo, uno dei dipinti più celebri del Caravaggio. In questa scena Matteo, dalla lunga barba, si converte e decide di seguire Gesù, che appare a destra, nel buio, insieme a San Pietro. Come sempre, Caravaggio ritrae modelli nel suo studio, tipicamente spoglio e scuro, che in questo caso viene però tagliato da uno schermo di luce dorata. In tutta la storia dell’arte, non esiste luce paragonabile a quella della Vocazione del Caravaggio.
12
Riposo durante la fuga in Egitto
La Galleria Doria Pamphilj di Roma ospita il dipinto dal titolo Riposo durante la fuga in Egitto. Anche in questo caso i personaggi sono modelli ritratti dal vivo, tra cui di nuovo si identifica, nella Vergine, la prostituta Anna Bianchini. In questa scena, dominata da un paesaggio che ricorda le campagne romane, Giuseppe regge uno spartito sul quale si riconosce un mottetto mariano basato sul Cantico dei Cantici. Giuseppe dedica a Maria il più bel testo d’amore della Bibbia, mostrandolo a un angelo. È così che la soprannaturalità lascia nuovamente spazio al vero e al sentimento umano.
13
Giuditta e Oloferne
Altra tappa obbligata di Roma è Palazzo Barberini e, in particolare, la sua Galleria Nazionale di Arte Antica. Qui è custodita un’opera che rappresenta un punto di svolta molto importante nella produzione caravaggesca: Giuditta e Oloferne è infatti il primo quadro in cui il Merisi non ritrae un momento come un altro, bensì un’azione. Un’azione violentissima che si svolge sotto una luce ferma e crudele. Qui compaiono due elementi che saranno fortemente caratterizzanti dell’arte di Caravaggio: il drappo rosso, con cui il pittore era solito allestire il suo studio, e il tema della testa mozzata, macabro leit motiv della sua produzione matura.
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Sette opere di Misericordia
Dopo aver colpito a morte, in un duello, Ranuccio Tommasoni, il 28 maggio 1606, Michelangelo Merisi è costretto a lasciare l’Urbe. Napoli e Malta saranno solo due delle tappe in cui il pittore farà sosta durante il suo viaggio in fuga da Roma. A Napoli, presso il Pio Monte della Misericordia, è conservata la grande tela delle Sette opere di Misericordia. Caravaggio raffigura i sette episodi che alludono alle opere di misericordia corporale (dar da mangiare agli affamati e da bere agli assetati, vestire gli ignudi, alloggiare i pellegrini, curare gli infermi, visitare i carcerati, seppellire i defunti) e li ambienta in un buio vicolo di Napoli. Questo brulicare di vita, su cui la Madonna sembra planare, per Caravaggio diviene materia sacra a tutti gli effetti.
15
Decollazione di San Giovanni Battista
La Decollazione di San Giovanni Battista è la tela più grande mai dipinta dal Caravaggio e si trova a Malta, nell’Oratorio di San Giovanni Battista dei Cavalieri, nella Concattedrale di San Giovanni alla Valletta. In uno spazio grande e anonimo, che non mostra nulla di sacro o monumentale, San Giovanni viene ucciso barbaramente, da un boia triste e malinconico. Non c’è grazia, né speranza, in questa pala d’altare così insolita, che il pittore non dimentica di firmare, utilizzando il sangue dello stesso Battista.
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