Opere Monet: i 15 quadri più belli
Sin da giovanissimo, Claude Monet si dedicò alla pittura, definendo uno stile personale immediatamente riconoscibile
Quando espose alcuni dei suoi quadri a Parigi nel 1873, insieme agli amici Renoir, Sisley, Pissarro, Degas e Prins, il termine “impressionista” fu creato proprio per lui. Taciturno e solitario, talvolta scontroso, diventò presto icona di un intero movimento artistico basato su alcuni concetti fondamentali: la pittura doveva essere per lo più eseguita dal vero. Essendo la natura la principale fonte d’ispirazione, dipingere en plein air era una necessità: solo così era possibile fissare istantaneamente sulla tela l’impressione visiva esercitata da un ambiente in un determinato momento.
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Signora in giardino a Sainte-Adresse (1867)
Il nostro viaggio alla scoperta dei 15 dipinti più rappresentativi di Monet ha inizio nelle fastose gallerie dell’Ermitage di San Pietroburgo con Signora in giardino a Sainte-Adresse, una delle prime opere impressioniste del pittore. Realizzato nel 1867, è tra i suoi primi lavori dipinti totalmente en plein air. La forza del dipinto risiede soprattutto nella resa realistica della luce di mezzogiorno, il cui accecante bagliore viene esaltato dal vestito bianchissimo della dama ritratta nella parte sinistra del dipinto, ma anche nell’equilibrio della composizione, che nelle opere di Monet assume sempre un ruolo di primo piano.
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Il portale, nebbia mattutina (1893)
Tra il 1890 e il 1895 Monet si concentra in modo sempre più rigoroso sullo studio della luce e della resa pittorica dei suoi effetti. In questa fase l’artista sceglie pochi, specifici, temi che riproduce in serie variando esclusivamente le condizioni atmosferiche, l’ora del giorno e, talvolta, la stagione. Il ciclo delle Cattedrali di Rouen è proprio uno dei prodotti di questo studio: Monet ritrae, per decine e decine di volte, la facciata della Cattedrale di Rouen. Le decorazioni architettoniche, creando elaborati disegni di luce e ombra, rendevano la cattedrale un soggetto perfettamente adatto al suo progetto. Il portale, nebbia mattutina, custodita presso il Museum Folkwang di Essen, in Germania, è solo una delle molteplici tele dedicate alla cattedrale, che oggi impreziosiscono collezioni pubbliche e private in ogni parte del mondo.
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I papaveri (1873)
La Francia è stata la patria di Monet e lo è tutt’ora: sono senz’altro i musei di Parigi a custodire il maggior numero di opere firmate dal padre dell’Impressionismo. La collezione del Musée d’Orsay è probabilmente la più ricca. Potresti partire da I papaveri, uno dei quadri più celebri al mondo, in cui Monet raffigura un vasto campo di papaveri ad Argenteuil, comune a nord di Parigi, dove il pittore si trasferì con la famiglia nel 1871. L’atmosfera vibrante di un soleggiato pomeriggio estivo trapela dalla tela, dominata da un paesaggio sensazionale in cui i personaggi che l’attraversano non sono veri e propri ritratti, ma silhouette che diventano parte integrante della natura. Lo studio della luce appare particolarmente evidente dalle nuvole in cielo, che riflettono i colori dorati del sole.
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Camille Monet sul letto di morte (1879)
Forse non è tra le opere più famose di Monet, ma questo quadro, di nuovo esposto al Musée d’Orsay, racchiude qualcosa di straordinario. Quando Monet volle guardare per l’ultima volta la moglie Camille, morta dopo una lunga malattia ad appena 32 anni, il desiderio di fissare per sempre sulla tela la sua ultima immagine fu per il pittore qualcosa di naturale e istintivo. La cosa più sconcertante sono senz’altro le cromie, che in un vortice di viola, grigi e blu, travolgono i lineamenti della donna. Anche in questo caso, Monet si concentra sui colori. Il dipinto assume così un valore intimo e struggente, sospeso tra amore e perdita, dove la pittura diventa un gesto estremo per trattenere ciò che inevitabilmente sfugge.
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Colazione sull’erba (1865-1866)
Colazione sull’erba fu dipinto tra il 1865 e il 1866 ed è conservato sempre al Musée d’Orsay di Parigi. L’opera si ispira esplicitamente all’omonimo e celebre quadro di Édouard Manet, rielaborandone il tema in chiave personale. Ciò che vediamo oggi è soltanto una parte di una composizione originariamente molto più ampia. Monet fu infatti costretto a lasciare il dipinto come garanzia al proprietario di casa, non riuscendo a pagare l’affitto. L’opera venne conservata in un ambiente umido, subendo danni significativi. Quando il pittore riuscì a recuperarla nel 1884, decise di tagliarla, salvando due grandi sezioni: quella centrale, la più importante, e quella sinistra, in cui compaiono tre figure in piedi; la porzione destra, invece, è andata perduta. Il dipinto è realizzato secondo la tecnica della pittura en plein air, ovvero dipingendo direttamente dal vero e non in studio, seguendo gli insegnamenti di Manet.
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La gazza (1868–1869)
Nessuno, nella storia dell’arte, ha saputo dipingere la neve come Monet. A partire dal 1867, il pittore realizzò il primo ciclo di paesaggi invernali interamente dipinti all’aria aperta, di cui fa parte cui La gazza, oggi custodita presso il Musée d’Orsay. La pittura doveva essere rigorosamente dal vero e il gusto per la solitudine, insieme all’incredibile resistenza nel sopportare i disagi della natura, portavano Monet a non tradire mai questo principio, nemmeno durante gli inverni più rigidi. Nel dipinto La gazza si respira tutto il silenzio e l’immobilità glaciale di una mattina d’inverno qualunque che, con la pittura, Monet trasforma in un’indimenticabile poesia visiva. Le ombre azzurre sulla neve, ottenute senza ricorrere al nero, rivelano uno studio attentissimo della luce e delle sue variazioni, restituendo una scena essenziale ma sorprendentemente viva.
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Ninfee
Il tema delle ninfee è stata l’ultima grande ossessione di Monet. Ispirandosi al laghetto del suo giardino a Giverny, Monet dipinge innumerevoli varianti di queste piante per circa 26 anni. Come le Cattedrali di Rouen, le tele dedicate alle ninfee sono un po’ sparse in giro per il mondo, ma il capolavoro di questa serie è di norma considerato uno: le meravigliose Ninfee del Musée de l’Orangerie, che Georges Clémenceau commissionò a Monet per la decorazione delle due sale ovali dell’Orangerie. Si tratta del testamento di Monet e, forse, della sua opera più riuscita, poiché in grado di riunire armoniosamente il desiderio di realizzare una grande pittura decorativa, insieme alla veridicità di una pittura en plein air. Il pittore André Masson definì l’Orangerie “la Cappella Sistina dell’Impressionismo”. Sapresti trovare un appellativo migliore?
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Impressione, levar del sole (1872)
Tra tutti i quadri esposti alla mostra della Société Anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs (associazione fondata nel 1873 da Monet e, tra gli altri, Renoir, Sisley, Pissarro, Degas e Morrisot), Impressione, levar del sole di Monet fu l’opera che diede il nome a quello che, dal 1874 in poi, sarebbe stato definito movimento impressionista. Il dipinto raffigura una vista sul porto di Le Havre all’alba, in una scena velata di viola dove ogni cosa perde i propri contorni e i propri volumi. Soltanto il sole si mantiene fermo e distinto, come un occhio brillante, nel cielo di nebbia. L’opera è conservata presso il Museo Marmottan di Parigi ed è l’emblema della rivoluzionaria scuola pittorica: l’attenzione scientifica per la resa della luce, l’utilizzo del colore per la resa di effetti ottici, le tante piccole pennellate, l’importanza della pittura en plein air e la ricerca dell’ispirazione dal contatto diretto con la natura.
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La Pointe de la Hève, Sainte-Adresse (1864)
L’importanza dell’acqua nella pittura di Monet risulta evidente già con i paesaggi marini degli anni ’60, tra cui emerge La Pointe de la Hève, Sainte-Adresse. Appartiene alla collezione impressionista della National Gallery di Londra e rivela già tutte le abilità e i tratti distintivi della pittura di Monet, all’epoca appena ventiquattrenne. Si notano la sua capacità di osservazione e di organizzazione compositiva, insieme alla particolare tecnica esecutiva, personale e ben riconoscibile: in una natura tenue e malinconica, le pennellate vivaci e brevi si rivelano efficacissime per la resa delle onde, che quasi sembrano muoversi sotto la piccola barchetta di legno, e al contempo della spiaggia, una distesa di tanti piccoli ciottoli colorati che si rovescia sulla tela come un mosaico variegato.
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La Grenouillère (1869)
La Grenouillère era un famoso e mondano stabilimento balneare sulla Senna, frequentatissimo dalla società borghese parigina. Nel 1868, Renoir lo sceglie come luogo prediletto per i suoi dipinti en plein air e, l’anno successivo, Monet si unisce a lui. L’esito di quella sessione pittorica è la tela dal titolo La Grenouillère, oggi custodita presso il Metropolitan Museum of Art di New York. Come in Il fiume (realizzato nel ’67), pur essendo presenti delle figure umane, Monet si concentra sulla resa dei riflessi sull’acqua, utilizzando pennellate larghe e rapide. Nonostante il risultato finale sia di altissimo livello, sarà la Colazione dei canottieri di Renoir la massima espressione di questo tema: Monet era destinato ad allontanarsi sempre più dalla dimensione umana per immergersi in quella della natura.
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Palazzo Ducale, Venezia (1908)
Le serie a cui Monet si dedicò sono moltissime. Tra quelle architettoniche spicca, oltre al ciclo delle Cattedrali di Rouen, il gruppo di quadri raffiguranti i palazzi di Venezia, in cui Monet soggiornò tra il 1908 e il 1909. Per il pittore, si trattava della città impressionista per eccellenza: architetture dai profili eleganti che sorgono e si riflettono sull’acqua… cosa poteva chiedere di meglio, per i suoi studi? Al Brooklyn Museum di New York è possibile vedere uno dei pezzi più belli dedicati a questo tema. In queste tele, la luce veneziana diventa protagonista assoluta, dissolvendo i contorni e trasformando le forme in vibrazioni cromatiche sempre diverse.
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Ninfee e ponte giapponese (1899)
Nel 1883 Monet si trasferisce con la famiglia a Giverny, piccolo comune francese della Normandia. È qui che dimorerà fino alla morte ed è qui che avrà base il suo piccolo regno impressionista, fatto di pace e natura. Nel 1891, deviando un affluente del fiume Epte, Monet crea un laghetto corredato da un ponticello giapponese: non esistono luoghi, nella storia dell’arte, ad essere stati studiati in modo tanto minuzioso quanto il laghetto di Giverny, riprodotto da molteplici angolazioni diverse, in tantissime varianti. Tra queste, la tela del Princeton University Art Museum è, insieme alle Ninfee del Musée de l’Orangerie, una delle più conosciute.
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Parlamento di Londra al tramonto (1903-1904)
Come Venezia, anche Londra esercitò un certo fascino su Monet, che vi trascorse gli inverni tra il 1899 e il 1901. Durante questo periodo realizzò i cicli pittorici dedicati al Tamigi, che comprendono almeno 100 diverse vedute del fiume (alcune affacciate sul Ponte di Waterloo, altre raffiguranti il Parlamento visto dall’Ospedale di S. Tommaso). La National Gallery of Art di Washington custodisce diverse opere di Monet: oltre a cattedrali, ninfee e a diversi paesaggi naturali, è possibile vedere il bellissimo Parlamento al tramonto, una delle più belle tele dedicate all’architettura simbolo di Londra. In queste opere, la nebbia londinese diventa un elemento essenziale, capace di filtrare la luce e avvolgere gli edifici in atmosfere sospese, quasi irreali, dove forma e colore si fondono delicatamente.
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Il fiume (1881)
Attualmente esposta all’Art Institute of Chicago, Il fiume rappresenta un’opera importante nella produzione di Monet. Qui, il mondo dell’acqua, a cui si era già avvicinato con i precedenti paesaggi marini, subisce una trasformazione decisiva, perché a diventare protagonista assoluto del quadro è, ufficialmente, il riflesso. Ogni singola pennellata su questa tela è rivolta alla resa ideale dei riflessi sull’acqua che, indefiniti e sfuggenti, contribuiscono a dare all’immagine una sensazione d’immediatezza. È questo il primo, vero omaggio all’istantaneità della percezione realizzato da Monet. La superficie del fiume diventa così uno spazio dinamico, dove luce e colore si dissolvono continuamente, anticipando ricerche che troveranno piena maturità nei cicli successivi dedicati alle ninfee e agli stagni di Giverny.
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Covoni (crepuscolo, effetto di neve) (1890-1891)
Come la serie delle Cattedrali di Rouen, quella dei Covoni può essere considerata un vero e proprio esperimento scientifico. Anche in questo caso Monet dipinge tantissime tele (tra cui quella conservata all’Art Institute of Chicago) in una miriade di varianti diverse, per raffigurare covoni in diverse condizioni di luce, a diverse ore del giorno e in diversi periodi dell’anno. La semplicità delle forme dei soggetti raffigurati permette all’artista di concentrarsi sulla modulazione della luce e degli effetti che questa crea sulle superfici, come mai prima di allora. A differenza dei cicli dedicati alle architetture, i Covoni vengono considerati uno dei massimi risultati ottenuti dalla connessione, intima e totale, tra Monet e la natura.
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